Reference: Albert Ayler Quintet Copenhagen, Bordeaux 1966 & Newport 1967 Live First Release＜限定盤＞

1966年、ジョージ・ウェインが主催した「ニューポート・イン・ヨーロッパ」ツアーには、デイヴ・ブルーベック、スタン・ゲッツ、マックス・ローチ、ソニー・ロリンズといった主流のジャズ・スター、そして驚くべきことにアルバート・アイラー・クインテットが出演しました。

当時独立系レーベルESPでの録音で知られ、物議を醸していましたが、それ以前の、さらに無名のバード・ノーツ(スウェーデン)やデビュー(デンマーク)といったレーベルでのセッションで、スカンジナビアやヨーロッパの限られた前衛音楽ファンに初めて紹介されていました。当時誰も知らなかったのは、このツアーのコンサート(ベルリン、レラハ、ロッテルダム、ヘルシンキ、ストックホルム、コペンハーゲン、パリ、ボルドー)の演奏が地元のラジオ局やテレビ局によって録音され、テープが現在も残され、50年以上経った今でもこの類まれなグループの記録と評価を大きく高めているということでした。

アイラーの音楽的構想は、もちろん、8年間というあまりにも短いキャリアの中で大きな変化を遂げました。それは発展期(1962～63年)、飛躍の年(1964年)、アンサンブルの拡大(1965～67年)、そして「もう一つの」アイラー(1968～70年)と特徴づけることができます。コペンハーゲンとボルドーでの力強い演奏は、ここで初めて公式に発表され、米国のニューポート音楽祭でも演奏され、音楽の集合的な必然性、つまりアイラーがニューオーリンズの歴史的な先例を意識して取り入れ、洗練させ、ロマンチックに表現した真のアンサンブルの協調性、行進曲の主題における直接的な感情的かつ建設的なつながり(インタラクティブな反復と解説)、音色の対比の重なり(ドナルド・アイラーの鋭く刺激的な金管楽器、アルバートのメリスマ的なリード、力強くもドローンな弦楽器、ビーバー・ハリスの推進力のあるドラム)、そして旋律の流れの内外における爆発的な結束力をさらに証明しています。

しかしながら、その紛れもないエネルギーと情熱にもかかわらず、アイラーの音楽の極限性、つまり、自由の認識しがたい周縁(つまり、音楽の正統性の拒絶、あるいはそのような急進的な再編)を精神的変容への導管として利用する彼の意欲は、多くの憶測と解釈を招いてきました。アイラーが革新者としての地位にあることは疑問の余地がありません。十分に考慮されていないのは、彼と、同様に熱心で型破りなジャズとブルースを基盤とした即興演奏との関係、そしてホーリネス教会のサックスと声楽によるカタルシスの伝統との関係であります。(1/3)

アイラーもまた、彼と同様の手法、純粋な音とエネルギーを通して、同様の逃避、恍惚の瞬間を求めていました。アイラーはこの関係性を認めてました。ロバート・パーマーが『ザ・ヴィレッジ・コンサート』のライナーノーツで、アイラーのこの世のものとは思えないほどの音色の奔放さと、感情を込めた流動的なフレージングを、ブルースマンのブラインド・ウィリー・ジョンソンの忘れがたいサウンド、さらにはギニアやアフリカのコートジボワールの村人たちのサウンドと鋭く比較したように、アイラーの衝動的な高音域の甲高い音と鋭いアタックには、ビッグ・ジェイ・マクニーリー(例えば1955年の「Blow, Blow, Blow」)やウィリス・ジャクソン(1949年のクーティ・ウィリアムズとの共演作「Gator Tail」)といったR&Bサックス奏者の終末的な熱狂と超表現主義的な叫び声との共通点が見られます。

アイラーに最も影響を与えた二人のジャズ・ミュージシャンは、シドニー・ベシェとソニー・ロリンズです(音楽的には、アイラーがジョン・コルトレーンに影響を与えたというより、コルトレーンがアイラーに影響を与えたという議論もあります)。ベシェのヴィブラート豊かな音色と強烈なフレージングは、アイラーに(ダウンビートのインタビューで)こう語らせました。「私は彼に夢中でした。私にとって彼は真の精神、生命力の象徴でした。それはニューオーリンズ・ジャズのような、昔のミュージシャンの多くが持っていたものであり、今日の多くのミュージシャンには欠けているものです。私は、その精神を自分たちの演奏する音楽に取り戻したいと考えています。」

アイラーの献身を物語るもう一つの手がかりは、1962年と63年にスタンダード曲に重点を置きながらも、レコーディングに選んだ曲たちでした。彼は、1939年のベシェの最高傑作の一つである「サマータイム」を、1962年のヘルシンキ公演と、1963年のコペンハーゲン公演『マイ・ネーム・イズ・アルバート・アイラー』で2度演奏しました。アイラーの初期のレパートリーの多くも、ロリンズの録音から引用されており、その中には、彼の作曲による「ソニームーン・フォー・ツー」と「ザ・ストッパー」(「ロリンズ・チューン」と題されていた)、そして「オン・グリーン・ドルフィン・ストリート」(2度)、「アイル・リメンバー・エイプリル」、「チューン・アップ」、「ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズ」などが含まれています。(2/3)

さらに、ロリンズがポピュラーソングの窮屈な和声と形式的な手法から自らを解放しようと執拗に奮闘したことは、1957年のピアノレス・トリオ(おそらくアイラーも、1962年のスウェーデンでのスタジオ・セッション、そして1964年までにゲイリー・ピーコックとソニー・マレーとのセッションで、同様の形式に慣れるきっかけとなった)や、広範囲に及ぶソロの展開やフレージングの破壊へと繋がりました。これらは、1962年から63年にかけてトランペット奏者のドン・チェリーと組んだカルテットで最も自由な表現を見出してます。ロリンズの伝記作家エイダン・レヴィは、アイラーが1963年1月にカルテットのコペンハーゲン公演に出席し、その後チェリーと会ってジャムセッションを行い、翌年の共演を期待していたと記してます。

1965年にドナルド・アイラーがチェリーに代わってトランペットを担当すると、運命は決まったようです。タウンホールでの「Bells」の録音は、自由なインタープレイと、賛美歌や行進曲のさらなる活用が共存していることを確証しました。オランダ人ヴァイオリニスト、ミシェル・サムソンが、アルバートの故郷であるクリーブランドでの意外な出会いをきっかけにアンサンブルに加わり、新しいリズムセクションはすぐにそれぞれの役割に適応しました。このクインテットはスタジオ録音を行っていませんが、1966年のツアーが、おそらくアイラーの最も成功したアンサンブルであったであろう、これほど詳細に記録していることは幸運です。 (アート・ランゲ、シカゴ、2025年8月)(3/3)